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La fotografía y los pósters, aliados desde siempre

Los pósters utilizan un lenguaje visual claro y directo. En general, una imagen de lo que desea comunicar y un fragmento de texto que le da cuerpo a la idea, logrando un complemento perfecto entre los dos lenguajes. Pero la imagen puede ser casi cualquier cosa, desde un dibujo hasta una fotografía. De este modo, el póster puede adaptarse a la idea que desea transmitir y tener un efecto más profundo en el espectador.

La verdad es que de manera muy simple: la fotografía debe ser, en primer lugar, de excelente calidad, es decir, manejar el lenguaje visual de manera excelsa. Los pósters de Desenio cumplen a cabalidad con este requisito, ofreciendo una factura de primera calidad y un diseño único para toda clase de ambientes y gustos.

Con la fotografía, y conociendo a ciencia cierta lo que desea comunicar, el artista del póster podrá trabajar sobre la imagen, incluir otras referencias y el texto, desde luego, si desea integrar la palabra al concepto. Eso sí, entre ambas partes deben hacer una conexión estilística, un sentido común que las una y logre un todo uniforme que tenga lógica. El póster en sí es una integración de todas estas partes, con el fin de dar a conocer un mensaje.

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Cuadros y fotografía: ¿cómo se vinculan?

La fotografía tiene un lugar muy especial dentro de las artes visuales. Tiene un lenguaje único que mezcla perfectamente la intención del autor con la técnica y la tecnología de la cámara. Esto hace que el equilibrio entre estos tres aspectos sea muy difícil de lograr. Sin embargo, existe otro aspecto que suele pasarse por alto: los colores y el gesto, que son propios de las pinturas, los cuadros y su lenguaje.

Cuando hablamos de cuadros, nos referimos a cualquier imagen que pueda encuadrarse y colgarse en una pared. Es así como una fotografía puede convertirse en un cuadro excelente, sin ser una pintura al óleo o algo similar. Para esto, debe contar con un buen lenguaje y una imagen bien encuadrada. Es decir, requiere de un buen manejo de la luz, la sombra, las texturas y el lenguaje metafórico.

Toda fotografía cuenta una historia. Más allá de ser un fragmento de realidad, una fotografía puede significar algo más: una idea, un concepto, un discurso y hasta una crítica. Aún así, si no hay técnica fotográfica, el resultado puede ser mediocre.

Para que una fotografía se convierta en un cuadro, debe adoptar la forma de este. Es decir, debe estar enmarcada y colgarse en la pared. Esto es sencillo. Únicamente es necesario acudir a un experto artesano que haga este trabajo a la perfección. Sin embargo, lo difícil radica en elegir el marco perfecto para la fotografía.

Una opción muy recomendable es utilizar un paspartú, es decir, un borde blanco al interior del cuadro que separe la imagen del borde. Por fuera, un marco negro siempre es elegante y fino. De este modo, no se entorpece la visión de lo que ocurre al interior. Esta es la mejor manera de convertir una fotografía en un cuadro.

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Fotografía y productos Apple, dos elementos que van de la mano

La fotografía es un arte relativamente reciente si es que la comparamos con otras prácticas más antiguas, como la pintura y la escultura. Además, depende directamente de las tecnologías que permiten la captura de la luz, cualquiera sea el soporte que se utilice, ya sea analógico o digital. De igual forma, esto es una ventaja, ya que a medida que las tecnologías y dispositivos mejoran, las capacidades fotográficas también lo hacen a la par.

Los productos Apple, como los que se venden en mresell.es, pueden contribuir a la edición de imágenes que se han tomado con una cámara profesional. Por ejemplo, un Macbook Pro adquirido en mresell.es puede albergar programas de edición, como Photoshop o Illustrator, con los cuales manejar el contraste, los colores, la saturación y otros aspectos de la fotografía.

Asimismo, muchos otros programas permiten la utilización de estos ordenadores para generar montajes e incluso crear vídeos a partir de la fotografía clásica. Por lo demás, un ordenador Apple adquirido en mresell.es siempre es un excelente respaldo para conservar el trabajo fotográfico digital.

¿Y los iPhones?

Sobre los iPhones, no hay que tener dudas en que estos son, de por sí, un equipo de primera calidad para sacar excelentes fotografías, independientemente del contexto y del talento del artista. Estos móviles integran, en su mayoría, cámaras avanzadas con gran resolución e imagen de alta definición. A la vez, los iPhones traen programas de edición para simular lentes o calidad lumínica, como si se tratara de una cámara profesional. A esto hay que sumarle los filtros que ayudan a definir la imagen y la capacidad para cortar la fotografía y recomponerla.

Finalmente, no es necesario contar con un producto Apple de última generación o completamente nuevo para utilizar la mayoría de estas funciones. Los productos Apple reacondicionados cumplen a cabalidad con los objetivos propuestos con anterioridad. Muchos de estos pueden ser adquiridos en mresell.es, por lo cual solo es cosa de instalar los programas que pueden ayudar a la edición de las imágenes para ponerlos en completo funcionamiento. La fotografía y Apple son elementos que funcionan muy bien juntos.

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Fotografiar una boda: todo lo que necesitas saber

Las bodas son eventos muy especiales tanto para los novios como para sus amigos y familiares. Inmortalizar esa experiencia en fotografías profesionales es toda una responsabilidad que recae en el fotógrafo. Para realizarlo correctamente, es necesario que se tomen en cuenta una serie de detalles y consejos.

Consejos para hacer fotos en bodas

La cámara y demás equipos profesionales deben estar preparados en todo momento. Antes de tomar la fotografía, es importante fijarse en el balance de blancos, el enfoque, el ISO y la velocidad de disparo. Dependiendo de la iluminación del lugar, el fotógrafo puede establecer ciertos valores para monitorearlos más fácilmente.

La creatividad es la aliada en estos casos, por eso se debe mantener la mente abierta a todas las posibilidades. Visualizar todos los elementos que se tengan a mano como cristales, mobiliario, decoración, entre otros. Todo puede servir para hacer una foto original e inolvidable.

El fotógrafo también debe tener carisma y la habilidad de convencer y hacer sentir bien a la pareja y a los demás invitados. Sin mucha insistencia, pero con palabras amables, puede ayudarles a posar sin forzar sus sonrisas y posturas. De esta forma, las fotos serán mucho más naturales y memorables.

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Fotografía de eventos religiosos: ¿qué tener en cuenta?

Religiones en el mundo hay miles y formas de profesar esos cultos, millones. Las personas suelen tener diferentes tipos de cultos y en ellos se realizan eventos importantísimos, que deberán ser recordados toda la vida. Para esto se necesita de un fotógrafo. Pero cuando se acepta esta realidad, hay que tener en cuenta que se debe ser respetuoso de todo el evento, conocer su importancia y saberlo valorar.

Preguntar e investigar

Si te contratan para fotografiar un evento como puede ser un bautizo, una boda o demás sacramentos, es importante saber cómo funcionan y qué representan para las personas involucradas y la familia.

Es importante, en primer lugar, preguntar todas las dudas que tengas a la familia que te contrata, porque así el fotógrafo podrá determinar qué es lo más importante en el evento y poderlo fotografiar con la mayor calidad.

Por su parte, también queda de parte del fotógrafo la investigación. Saber de qué va el evento, cuántas partes tiene, quiénes estarán presentes, qué significa cada momento. Todo eso es clave para saber cuáles son las mejores fotografías que hay que tomar.

Respeto y distancia

Puede ser que los eventos religiosos sean muy festivos, pero un fotógrafo no deja de ser un ente externo. Es por eso que siempre se debe mantener respeto por los participantes del evento y estar a una distancia prudente. El trabajo del fotógrafo en estos casos será retratar la felicidad de las personas que forman parte de la festividad y también su conexión espiritual.

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Planos en la fotografía

La fotografía permite contar historias sin necesidad de usar las palabras. Esto se debe a que las figuras, expresiones, colores e iluminación tienen la capacidad de transmitir emociones. Otro detalle que ayuda a transmitir sensaciones es el tipo de plano empleado. Con el uso de diferentes planos, el fotógrafo puede contar historias desde varias perspectivas.

¿Qué tipos de planos existen?

Los planos pueden calificarse según sus valores, ángulos y altura. En la primera categoría se encuentra el plano panorámico, el cual le permite al espectador deducir el tono de la obra. También se puede emplear un plano entero para destacar a los modelos de la foto y cómo estos contrastan con el fondo.

Asimismo, destacan el plano americano, el medio y medio corto. Cada uno se emplea para ir cerrando el cuadro y enfocarse cada vez en un punto específico. En esos casos se le llama plano detalle y se emplea para fotografiar los ojos, manos u objetos pequeños ubicados en el escenario.

Según el ángulo visual, la fotografía puede hacerse en picado, es decir, desde arriba. Normalmente se utiliza para mostrar la pequeñez del objeto. Si se usa el contrapicado, se muestra la fortaleza o grandeza de la persona o elemento.

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Accesorios en fotografía: ¿qué hay que saber?

La fotografía profesional es un arte que requiere de talento y conocimientos especializados. Aunque se pueden lograr buenas fotos utilizando solo una cámara, existen otros accesorios que la pueden mejorar. Quienes deseen convertir la fotografía en su trabajo de tiempo completo, necesitan contar con un equipo especial.

Accesorios profesionales para fotógrafos

Además de una cámara de buena calidad, un fotógrafo necesita de un trípode. Este instrumento permite ubicar la cámara en un punto específico para modificar el escenario. De esta manera, se puede iluminar el objeto o las personas a fotografiar. También con el uso del trípode se pueden agregar elementos decorativos, entre otras cosas. Asimismo, el trípode ayuda a estabilizar la imagen para que no se vea distorsionada o borrosa.

Por otra parte, el flash es un elemento destacado. Algunas veces no es posible utilizar la luz del sol, por lo que el flash será la mejor opción. Los equipos de flash profesionales permiten jugar con la iluminación, ya que ofrecen diversas opciones de tonos, colores y difuminadores. Con el uso en simultáneo de estos equipos, pueden lograrse diferentes resultados y jugar con la luz y las sombras.

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Mantenerse o cambiar: momento de decisión en la carrera fotográfica

Hay gente que dice que cambia de estilo porque si no lo hace, entrará en la monotonía. Otros, en cambio, prefieren conservar su estilo porque solo de esta manera lograrán mantener un esquema constante de calidad. En la fotografía, esto funciona igual. Los fotógrafos, a lo largo de su carrera, van decidiendo si mantener sus estilos o cambiar, poco a poco, y de forma gradual. Existen muchos motivos que llevan a entender esto, y parte de escoger si mantenerse o cambiar tiene que ver con que si es posible tener siempre el mismo discurso fotográfico.

Lo principal son los cambios graduales

Es cierto que hay fotógrafos que tienen revoluciones en su composición artística y cambian totalmente de temática. Sin embargo, la mayoría de ellos lo que suele tener son cambios graduales a lo largo de toda su carrera, que poco a poco, se van adaptando a los tiempos y van presentando nuevas inquietudes.

Por ejemplo: el fotógrafo franco-brasileño Sebastiao Salgado siempre ha hecho fotografía hiperrealista y su estilo se ha ido amoldando a lo largo del tiempo, pues varía entre las fotografías de rostros de personas con las de multitudes.

Sin embargo, Salgado ha ido cambiando su estilo de forma gradual, sin perder su discurso. Aunque siempre había fotografiado en blanco y negro, recientemente ha comenzado a usar el color. También siempre su enfoque había sido el hombre y sus dramas, pero en las últimas décadas desarrolló un interés por la naturaleza y manteniendo su mismo estilo, comenzó a fotografiar animales salvajes a color.

Generalmente, el hecho de tener una carrera fotográfica constante permite que estos cambios vayan fluctuando con el tiempo, de forma sostenida. Todo eso genera efectos positivos.

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Elegir un tema: inspiración del fotógrafo

No se trata de cerrarse, ni tampoco de encasillarse. Pero un fotógrafo sabe que al menos para un proyecto en específico, necesita centrarse en un tema. Esta concepción ha ido cambiando de forma determinante a lo largo de los años, porque el mundo de las cámaras analógicas limitaba de forma concreta las fotos al número de tomas que había en el rollo. La digitalización ha cambiado eso.

Hoy, dispersarse de un tema es mucho más posible que antes. En el móvil, en las cámaras o en cualquier equipo, es posible poder tomar miles de fotos, de todo tipo de temáticas. Es por eso que escoger sobre qué se fotografiará es algo sumamente interesante que no debe dejarse de lado.

Todo nace de la inspiración

Todas las personas que hacen arte tienen inspiración en diversos temas. Es por eso que el fotógrafo debe partir de ahí antes de empezar a componer o buscar sus piezas. Por ejemplo: si un fotógrafo tiene inquietud por los paisajes, por la pobreza, por los paseos cotidianos, por los sistemas de transporte, etcétera, entonces a partir de ahí puede componer un proyecto fotográfico del que se pueda obtener, después, un producto profesional bien pensado y meditado.

Parte de un proceso

El proceso de selección de un tema para las fotografías nace, en efecto, de la inquietud personal, pero va más allá, porque una vez definido de qué se quiere hablar, hay que comenzar a separar la paja del trigo. Este proceso de selección puede recibir asesoría de otros fotógrafos o expertos, que más allá de ver el arte, podrán analizar la viabilidad del proyecto y, además, garantizar que las intenciones del autor se puedan comprender.

Este proceso puede tener varias fases. Para comenzar, se hace una preselección sobre los posibles temas, de los que suele quedar uno. A partir de ahí, es imperativo definir cómo se compondrá el proyecto fotográfico, qué técnica se usará y con qué medio aspira a ser presentado. Aunque parezca metódico, todo eso es parte indispensable de la inspiración del fotógrafo, pues será con eso que se podrá entender cómo presentar el proyecto y de qué manera.

Finalmente, hay que contrastar. Es importante ver otros proyectos fotográficos similares y su discurso, para poder manejarlos en la perspectiva que merecen y hacer un contenido diferenciado.

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El discurso de un fotógrafo: ¿cómo se compone?

La fotografía no se compone solamente de una serie de fotos que se vean bien. Detrás de ese verse bien hay un millón de cuestiones que pueden determinar la impronta del fotógrafo. Para muchos, eso se llama discurso, pero ese es un término bastante abstracto que muchos no comprenden en toda su dimensión.

En verdad, al igual que en muchas artes, la fotografía depende de quien la produce. No se trata solo de un negocio de carácter productivo, sino que el fotógrafo habla a través de su arte. En sus fotos se puede ver qué es lo que el fotógrafo captó o compuso y así, poder comprender cómo él habla a través de sus creaciones, lo que crea un discurso visual que perdura.

¿Qué partes tiene el discurso de un fotógrafo?

El discurso de un fotógrafo nace desde la misma concepción de la fotografía. Por ejemplo: los fotógrafos de la naturaleza, animales y plantas pueden pasar días solo esperando capturar una instantánea de algo que va a suceder, pero no se sabe cuándo. En cambio, hay otros fotógrafos que solo tienen la suerte del momento, disparan y consiguen la instantánea de sus vidas.

El esperar pacientemente o ser sorprendido es algo que se ve en la foto y que habla del discurso del fotógrafo. Pero hay más allá. La propia composición de la foto muestra ese discurso. Se puede ver si la foto está en movimiento, si es reposada, si fue capturada sin mayor concepción previa o si es algo que se estuvo buscando.

¿Cómo analizar el discurso de un fotógrafo en una foto?

De la misma forma que en las pinturas es posible distinguir pintores solo viendo y analizando las obras, lo mismo sucede con las fotografías. Generalmente -e incluso sucede con fotoperiodistas-, los fotógrafos suelen tener una línea discursiva que puede ser una temática. No todos tratan los mismos temas, por lo que siempre es muy importante empezar por entender qué tema aborda el fotógrafo y por qué.

A partir de ahí, puede comenzar un análisis de intenciones. Una vez se entiende de qué es lo que habla el fotógrafo y a qué tendencia pertenece, entonces será posible tratar de comprender qué buscaba el fotógrafo con sus productos. Esta intencionalidad es muy variable y está determinada por el entorno y el contexto en el que la fotografía fue tomada y también si pertenece a una serie o es una fotografía individual.

Finalmente, siempre será importante tratar de entender qué piensa la gente a raíz de esa foto. Como en cualquier arte, todo se trata de sensaciones, y si los espectadores de una fotografía ven y sienten determinadas cosas, entonces es posible que el discurso de un autor genere esos sentimientos.